摘要：
求一篇1000字左右的《艺术与人生》作文或论文！“艺术”这个词，乍一听起来好象离我们很远。总以为它是属于艺术家们的，是高雅者的研究对象，很难与我们这些寻常百姓套上近乎。可是，如果你... 求一篇1000字左右的《艺术与人生》作文或论文！
“艺术”这个词，乍一听起来好象离我们很远。总以为它是属于艺术家们的，是高雅者的研究对象，很难与我们这些寻常百姓套上近乎。可是，如果你真的留意一下生活，那些艺术，其实无处不在地存在于我们周围。
如果你是位爱美的女士，每天出门前总要对着镜子修饰一番：脸部的化妆，发型的变化，再到衣服款式和色彩的搭配，这些都是艺术。不是有句俗话说：“爱美之心，人皆有之”吗，这美，便是我们眼中的艺术。
如果你是喜欢泡咖啡店或吃餐馆的人，那么你一定会对某家或某几家的店面和室内装饰情有独钟，成为那里的老客户。随着人们生活水平的提高，我们已不仅仅满足于到饭馆填饱肚子，而更注重于进餐时的精神享受：新颖独特的室内设计，一首美的曲子或一幅别致的图画可能都会收到意想不到的效果。此时的你也身兼“两职”——消费者和艺术欣赏者。
如果你是注重细节的人，会把手机套上精致的手机套，挂上叮咚作响的手机挂链；把电脑外表加上一个可爱的小熊保护罩；把房间布置的格外温暖；在书包上贴上一个卡哇伊的贴画……
往往一些小细节不被我们重视，其实说白了，这些都是艺术。不过不是知名画家手中的艺术，不是着名歌唱家唱出来的艺术，也不是设计师脑袋中的艺术。这种艺术是专属于生活的，是普通人的艺术。正是这样的艺术，才让我们的生活缤纷多彩，充满快乐和平实。
怎么写艺术论文
要写篇关于一件艺术品的论文最好要注意以下两点：1、艺术家想要表达什么？2、艺术家表达得怎么样？这个标准在可以在几种情况下使用。这是相对而言较好的标准（如果你不会不切实际地看待作品的话），这个标准划出了一道底线，在这道底线上看作品就会避免出现过好或者过低的评价。你可以用这种方法去写书籍、电影、戏剧表演、绘画、音乐以及任何创造性艺术作品。写艺术论文的大量工作时间是用在分析作品以及写提纲上的。在写作中，会面临许多挑战，不过要是你有个足够完美、坚实的大纲的话，论文就会很好写了。难度：比较简单说明你需要的东西：你要写的作品的图文本，电脑/纸和笔分析作品1、写出你认为艺术家想通过作品表达什么。16世纪莱昂纳多·达·芬奇画的著名的《蒙娜丽莎》，众所周知，而且高深莫测。很明显，你不能准确知道达·芬奇本人通过这幅肖像画究竟想传达什么。许多有成就的艺术史家写了大量关于这幅画的文字。所以，你能表述些什么呢？很多很多。在这个例子里，在一篇关于名画《蒙娜丽莎》的论文中，你可以总结说艺术家试图透过肖像画讲述一个特殊女人的故事。这可能看起来很明显，不过你要记得，你要描述的作品是很不一样的，比如，一张宗教教学画作，或者一副现代抽象画，因此，关于这种特殊作品的评价就会变得完完全全的不同。2、写出你看到这件充满创造力的作品时的认识和感受。举例而言，从达·芬奇画的女人身上你感受到了什么？这些感受不用和她的身份有关，但如果你知道了她背后的故事，会更加令人印象深刻。尽量忠实具体地描述你的反应。别在意自己有没有权威性。你要写篇关于《蒙娜丽莎》的好文章，不必先成为一个专业艺术批评家，或者曾画过意大利式杰作。3、检查一下第1步和第2步，你的反应是否和艺术家想要表达的相符合——这件艺术作品是成功的么？记住，你喜不喜欢你写的东西不重要。重要的是，你正在用你自身的感受去写一篇艺术作品分析。记住，你可以写篇文章，比较一下用同样的表现手法的成功与不成功的作品。4、把所有创作作品过程中的变量都列下来——所有艺术家自觉或不自觉做出的决定。在《蒙娜丽莎》的例子中，这种变量可以是主题、构图、材料（颜料和肌理）、色调、笔触和细节表现程度。5、在每个变量下写个短小的简介。比如，《蒙娜丽莎》，你可以写“主题——女性”，“构图——肖像近照，画面中心”，“色调——宁静”，等等。论文发表声明与大纲敲定1、用上述步骤写一份发表声明的粗稿。别用第一人称，即使你的自身感受影响了你的很多想法。发表声明粗稿可以是“莱昂纳多·达·芬奇的《蒙娜丽莎》是一副优美的画作，运用文艺复兴的绘画技巧，但主题仍然成谜。”你的发表声明可不能是“《蒙娜丽莎》真是太美了啊”。2、在发表声明里把变量整合一下。你不用把列表里的变量一一写出来，可以每个变量写段话。3、把每个变量如何使作品成功（或者不成功）表现记下来。写正文1、描述变量的时候写得越详细越好，把你的感受也写进去。一般来说。这些描述会让读者更相信你的观点。2、写个引人入胜的介绍和令人满意的总结。3、校对文章。
我要两篇谈艺术的文章
色彩中的抽象世界
——康定斯基《艺术中的精神》
刘苇
20世纪艺术特征在总体上都趋向于音乐——含混、变形、抽象、直觉和梦导。当时的艺术家们已经清醒意识到必须打破传统框架。任何时代都没有像20世纪现代派艺术家们那样，以不同方式、在不同的领域共同背叛古典艺术——建筑、诗歌、小说、戏剧、舞蹈等。我们可以从那时的许许多多实验中找到他们超越的指向：靠向音乐。
在这一集体的现代主义运动中，绘画发展也不例外。从印象派、野兽派、立体主义、表现主义到抽象主义，表现手法逐渐从具象、变形，演变为纯粹的抽象；艺术主体从反映客观对象逐渐演化为表现主观意志。
正是在这样背景下，康定斯基发表了具有抽象主义宣言性质的理论著作《论艺术中的精神》。在这本书中，康定斯基第一次系统地阐述了抽象绘画理论。他一开始就宣称，时代的变化要求艺术形式进行相应的革新，20世纪的艺术已经不可能复原古希腊艺术，否则作品将毫无生气，因为时代在变化。他在书的卷首第一行就说：“任何时代的艺术品都是自己时代的孩子”。他认为，只有纯粹的艺术家，“力图在自己的作品中只传导内在的和本质的东西，同时，自然而然地绝弃了外在的偶然”，才能找到与这一时代精神相适应的艺术形式。
他在书中把艺术运动划分成一个三角形。三角形底座两端是古典艺术和自然艺术，它们艺术的宗旨是准确地描摹和再现客观现实；三角顶点则是现代艺术，其艺术宗旨是表达艺术家的内在精神和灵魂。这一三角形是不断地向上运动的，其顶端犹如宝塔尖顶,它并不在乎底部艺术家们的不理解。“在上部的最顶端，有时只有一个人，他欢快的眼光是内心无比忧伤的不露痕迹的标记。那些离他最近的人也不理解他。”在康定斯基看来，底部反映的是“物质的真实”，而顶端表现的则是“精神的真实”,完全等同于音乐中的真实。而物质只不过是蒙在精神表象上的一层迷雾。康定斯基在书中进一步指出：“艺术家必须对思想感情有所传达，掌握外形并非目的，而要代之以符合内涵精神的形象。”
在这样一个精神领域中，康定斯基将抽象绘画中的色彩运用类比音乐中的音符，在他看来, 色彩同样具有音响和旋律效果，甚至具有交响乐般的震撼力量。用色彩来展现音乐中的心灵震荡的效果，并直接达到精神深处，是那些只将眼光盯着客观世界的艺术家们所不具备的能力。这是一种直接倾听和再现“内在声音”的能力。抽象绘画是超越于古典艺术之上的只表现“内在声音”的艺术新形式。
坦率而言，康定斯基的抽象绘画理论的建立离不开实验心理学。在哲学上，似乎更是靠向贝克莱的“知觉意识”和休谟的“感知印象与联想”。他使绘画更具有符号性质和表意功能，同时，也更注重画面的“隐性形象”和观赏者的心理互动作用。从某种意义上说，他开拓了绘画表现新领域，推动了绘画艺术的形式革命向前发展。 无疑, 这具有深远的意义。
1896年康定斯基从俄国移居德国，放弃了法哲学研究，决定从事艺术创作，在德国广泛接触具有革新精神的青年艺术家，并先后组建了“慕尼黑新艺术家协会”和“青骑士”，出版了具有前卫思想的《青骑士年鉴》。1912年撰写《论艺术中的精神》一书，该书立刻获得了现代派艺术家们的赞誉。1917年康定斯基回到了俄国，被任命为莫斯科人民教育委员会，最终因与苏维埃文艺主张相背，于1921年接受德国包豪斯学院邀请离开莫斯科。在包豪斯期间，他进一步撰写了《形式问题》、《具体艺术》、《点、线、面》等有关抽象艺术的论文。有趣的是，他在莫斯科期间，曾有一位名叫马列维奇的学生听了他的课，受到康氏抽象绘画理论的影响，创立了“至上主义”。“至上主义”要比“抽象主义”更前卫，几乎抛弃了绘画中的色彩元素，朝纯黑和纯白的方向发展。后来，“至上主义”的思想又流传到欧美，逐渐演变成“极简主义”。而“极简主义”没有在绘画领域留下过多的痕迹，却在戏剧、建筑、音乐、电影、服装设计等领域影响深远。这恐怕是康定斯基始料未及的,。然而, 却也进一步证明了，艺术是无疆域的, 它们是在彼此影响和相互推动中发展的。
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玛丽·洛朗桑：巴黎的玫瑰
——20世纪女性艺术家扫描之一
刘苇
宛如出于一种共谋，在艺术史专著中，女性艺术家的地位从未予以充分的确认。一种令人困惑的沉默现象始终笼罩在那些卷帙浩繁的书中。无论是出于有意还是出于某种疏忽，撰述者像是被奇特的观念所束缚从而盲视她们的存在。真相绝非如人们想像那样：女性艺术家寥若晨星；也非编撰者出于男性偏见与误解。其背后更深刻的原因似乎是审美观念在确立之初就将女性柔婉情愫排斥在美学领域之外。翻开黑格尔的《美学》著作就可窥见一斑，统治其中被宣扬为正统的审美观是：理念、崇高和神性。虽然，20世纪晚期掀起的“后现代”艺术打破了黑格尔的美学理念；同时，也在这股纷杂无序的运动中涌现出各种艺术的新观念、新样式，女性艺术家的地位也得到相应的改观。但从整体看她们仍处于从属地位。因此，我们有理由把艺术史中被湮没的那些优秀女性艺术家单个挑选出来，展示她们非同凡响的作品，丰富和补充人类艺术遗嘱中被遗漏的那一部分。
玛丽·洛朗桑是巴黎艺术界的一朵耀眼的玫瑰。在20世纪上半叶，她是改变了艺术流向的“野兽派”和“立体派”中的一员。年轻时代与聚集在巴黎的落魄画家、诗人们交往密切，诸如马蒂斯、毕加索、阿波利奈尔等，并深受他们的影响。但玛丽·洛朗桑又是一位独特的艺术家，她在巴黎那风云变幻的艺术天地中找到了属于自己的美学视域。经过不断的探索，她的作品逐渐摆脱了早期“立体主义”的影响，形成了独树一帜的出众风格——那种在艳丽妩媚色彩中透露着淡雅高贵的气质和画幅上仿佛被蒙上一层神秘薄沙似的极富抒情韵味的独特标记。
她的自我独立性使其作品超越了那个时代的限制，并且发展了属于自己的富有女性特点的抒情性风格，她在画作中找到了一条明亮、轻柔的、极富敏感性和灵气的特征之路，充分体现了她作为杰出画家背后的那个具有前瞻性和被赋予了直觉激情的女性的魅力，表明了她是一位独具明慧心灵光芒的人，并能将这一内心光辉隐藏在经过审慎选择的色彩暗示里，将宁静与深邃隐约地流泻在一种被装饰化了的纯美的氛围中。无疑，她的作品对于巴黎画派是一个全新的开拓。
玛丽·洛朗桑（Marie Laurencin）1883年10月31日出生于巴黎，她是私生女从小由母亲单独抚养，直到她22岁时才知道自己的生身父亲是谁，那时她父亲已去世8年。她虽然天资聪颖，但家境一直很贫寒，19岁时她在一家工厂学习瓷器绘画，一年后入艺术学院，之后在同学介绍下她加入了一个为贫困和流亡艺术家服务的机构，在那里结识了很多富有才华的艺术家。
1907年在巴黎的画展上她与毕加索和超现实主义诗人阿波利奈尔相识。之后和阿波利奈尔同居。在他们这份浪漫的情人关系中，双方都给对方带来了艺术上的启迪。阿波利奈尔是私生子。他俩共同的经历促使他们走到一起，却也在他们情感成分中共同具有脆弱性、敏感性，以及对艺术漫无边际的好奇心。对孤独与失落的深刻体验促使他们走向了创作。
阿波利奈尔极有天分，对美非常敏感，他是自波特莱尔开创的新诗运动以来极富才华的继承者之一，同时他对造型艺术的持久兴趣和对形状、色彩的天生感受力，以及加上诗人的异禀，造成他能较别人更快地对新艺术价值作出判断。他当时撰写的富有洞察力的艺术评论，对刚刚出现的“野兽派”和“立体派”艺术进行推介，使马蒂斯、毕加索等画家名噪一时。阿波利奈尔为人温和、善良与真诚，他虽然是诗人，但有许多艺术上有共同追求的画家朋友，他在诗人和画家这两个圈子里像一座桥梁似的将整个巴黎艺术界中出色的艺术家联结起来，不自觉地推动了巴黎艺术走向欧洲。之后他对夏加尔（《向阿波利奈尔致敬》是夏加尔早期杰作之一）、杜桑等人都有不同程度的影响，以至不少国外艺术家到巴黎后都会去拜访他。
从1907年到1913年玛丽·洛朗桑和阿波利奈尔保持着六年情人关系，这是一段美好的日子。人的生命有时是很奇妙的，我们不知道在整个生命进程中那一段旅程是最有价值的和值得珍惜的。我们事先都无法知道，只有在生命最后时刻才会了解。
1908年她的画作《一群艺术家》在阿波利奈尔的朋友帮助下第一次被出售。作品主要刻画了她和阿波利奈尔、毕加索和他的情人费尔南特的肖像。画作表达了这一时期玛丽·洛朗桑的生活和内心重心，即对艺术追求的无限渴望。这一次作品的出售对玛丽·洛朗桑非常重要，不仅确立了她在巴黎艺术圈中的画家地位，也使她立下了终身从事艺术创作的决心。但她这一时期的作品还没有完全摆脱“立体主义”的影响。之后她又不断创作了各种版本的《一群艺术家》，这些作品包括那一时期经常出现在她生活周围的阿波利奈尔的朋友，其中有不少诗人。
这段时期，她开始画女性肖像，同时也开始为书作插图，这些插图多为漂亮女人，她喜欢用柔和的灰色、玫瑰色和蓝色作为画面的颜色主调，表现了一种宁静的智慧和迷人的抒情气息。她作为插图画家一时名声雀起。此后，她一生约为三十多
部书画了插图。1913年，她三十岁那年，是她一生中的命运转折点。那年她母亲去世；与阿波利奈尔情人关系告终；与法国著名艺术商人保尔·罗桑伯格签署了一份长期合同（这份合同一直持续到1940年，保尔·罗桑伯格同时也是毕加索、勃拉克等人的代理商），合同规定将定期展出她的作品；阿波利奈尔诗集出版，其中载入了有关她的几首优美的抒情诗；作为“立体派”画家她已经成为著名人物，阿波利奈尔在该年发表的《论立体派画家》一文中写道，“立体主义”绘画使造型艺术发生了革命，它重新调整了美的秩序，并使人们学会以新的尺度来衡量完美，最终令画家的内心期望与绘画的可塑性达到了一种创造性的境界，并称玛丽·洛朗桑“就像莎乐美一样,使艺术得到了光辉的洗礼”；与德国男爵奥托·冯·瓦特根认识，一年后她嫁给了他。
不多久第一次世界大战爆发，从那时起到1920年，这对夫妇一直流亡在外，先是逃亡到西班牙，分别在马德里、巴塞罗纳居住，之后又到德国。在这段时间她分别认识了当时已有影响的艺术家：罗伯特·德劳内、弗
朗西斯·毕卡比亚等。这时阿波利奈尔正在尼斯参战，1916年不幸头部中弹，治疗后退到后方工作。1918年，他得流感后不治身亡，两天后第一次世界大战结束。玛丽·洛朗桑听到阿波利奈尔的死讯后痛不欲生，几乎发疯。
玛丽·洛朗桑一生经历了两次世界大战，在这两次大战中间的三十年和平时期正是她创作的高峰期。她的许多代表作：《美惠三女神》（1921年）、《狄安娜》（1921年）、《少女与狗》（1921年）、《三少女骑马》（1925年）、《吻》（1927年）、《三少女》（1938年），肖像画：《保尔·吉劳姆夫人》（1924年）、《夏尔·德玛斯》（1938年）等就在那段时期完成。
她在巴黎社交圈内广受欢迎，并为一些著名女性绘制肖像。而她为俄国芭蕾舞剧《牝鹿》设计舞台布景和服装，促使她开始涉及设计领域。《牝鹿》在蒙特卡罗和巴黎先后上演并获得了大量赞誉和高度评价。从此，“牝鹿”一词成为玛丽·洛朗桑的代名词。这段时期，她既作为一名肖像画家享誉盛名，同时也作为设计师投身于戏剧服装的设计；此外，她还画了大量瓷器画、撰写诗歌、在艺术学院担任教授。她成为当时巴黎的社会名流。
1956年6月8日，她在巴黎自己的寓所中逝世，享年七十三岁。遵照她的遗嘱，安葬前，她身穿白色长裙，手持一朵玫瑰，胸前安放着一叠阿波利奈尔写给她的情书。可以看出，阿波利奈尔在她生命中的重要性，在内心深处她一直把自己看作是阿波利奈尔的妻子，身前无法实现这一愿望，在走入墓地前也要完成这一心愿，哪怕是象征性的。玛丽·洛朗桑以艺术家的浪漫情怀，将葬礼变成了一场暗喻式的婚礼，这是艺术家独有的创造，也是她最后一幅惊艳世人的作品。
综观玛丽·洛朗桑成熟时期的画作，与其说她的作品有“立体派”的影子，不如说她更多地受到“野兽派”的影响。说她是“立体主义”画派成员主要是因为她的创作与活动年代正好处于“立体主义”鼎盛时期，同时，她也与“立体派”成员关系密切。但是，对她作品基调进行分析，从中不难看出马蒂斯要比毕加索对她更具有影响力。
她在作品中对造型的处理常常简练、明快，线条流畅和富有韵律感，大多运用了平涂法，将人物、场景作为一种平面装饰，减弱画面的深度感和物象的体积感，但并不像“立体派”那样将物象进行扭曲、变形，也去掉了古典绘画中的光和透视作用，而仅仅强调在主题表达中展示色彩的音乐般美感，将纯净的平面色块在画中组合以寻求一种富有变化的和谐性，犹如诗歌中的韵脚和节奏变幻，带给人美妙的体验和视觉享受。所有这一切似乎与“野兽派”热衷于色彩鲜明的视觉效果、采用线条勾勒和平涂绘法有着深切的关联。
她早期作品中人物神情忧郁，背景色调也较黯淡，表现出人物自我迷恋的倾向和陷入一种深思状态中；如《持扇子的女人》、《化妆的女人》。逐渐，这一忧郁神情被一种平静所取代，色彩也相对变得明亮些，人物仿佛处在沉静的自我冥想中体会内心的诗意，这一倾向与自我迷恋稍有不同，只是易以让人错觉为迷茫；如《读书女》、《戴黑白相间羽毛饰帽子的少女》。
到了成熟期，色彩似乎被赋予了神奇的魔力，它对主题的提炼达到了高度意象化的境界，将人物形象的处理和画面的构图统一在色彩感性中，传导出一种难以言说的梦境化的美感。《美惠三女神》、《狄安娜》在大片的绿色背景中点缀上女性服饰的粉红，在宛如湖水般清澈、明静之中流露着温婉和奢华，使人物形象更具有轻盈和优雅的仪态，展露着安谧、宁静的气氛，令作品在知觉层面上有着不易察觉的持久的冲击力。《持玫瑰的少女》、《吻》、《三少女》等作品中人物神态明朗、体态柔媚，但在这些相似点上每一幅作品又有着色彩的不同变化，而每一色彩的选用都显露出她微妙的内心情致。在她作品中，所描绘的具有动人容颜、婀娜身姿的女性形象上都附有羽毛、轻纱、花朵、丝巾等饰物来作为她翱翔柔美梦幻的翅膀，她喜欢用粉红、钴蓝、灰白、青紫、湖绿、柠檬黄等轻快而鲜丽的色彩来谱写她的华彩乐章，这一点如同阿波利奈尔的诗歌一样使作品充满着斑斓内蕴和深情意味。她的作品在当时的巴黎独树一帜。
学前儿童艺术教育 论文 3000字
儿童是祖国的未来，新世纪的开拓者，他们的发展是人类未来发展的先决条件。今天对儿童的教育，必须有助于将来具有创新实践能力的新型人才的成长。本着这样的认识，我们在
“ 八五 ” 期间进行了儿童实施艺术综合教育的理论和实践的研究，其目的在于探索从审美 艺术教育
入手，推进儿童素质教育的全面发展，为审美创造型人格的构建打下坚实的基础。
一、审美及审美艺术的教育价值
我们引进相关学科的理论，对审美艺术领域的基本理论、审美艺术活动的价值、审美艺术教育的性质和功能与儿童心理发展的关系进行了探讨。我们认为，艺术教育对学前儿童心理发展的价值表现在：
1
．为完满型人格的塑造打基础。这是因为艺术审美连着情感是心灵的活动，而心灵是没有时空限制的，它可以自由驰骋，可以把眼前和未来、有限和无限、理智和情感、物质和精神加以协调和沟通。审美艺术中所培养的对外部世界的整体反映能力是造就完满人格的基础训练。如果能在教育中坚持艺术与体、智、德教育相结合，使教育中的
“ 社会性 ” 、 “ 科学性 ” 和 “ 审美性 ” 相结合，使儿童的行为不但为了实用，而且可以拉开距离欣赏，使行为不但接受 “ 善 ” 和 “ 真 ”
的被动控制，而且获得 “ 美 ” 的自动调节，就能为完满人格的成长打下良好的基础。
2
．有助于全脑功能的开发。据研究，任何一种艺术活动都是大脑两半球协同作用的结果。在艺术教育中，坚持艺术形象布局的审美特征和具有细腻丰富的情感内容相结合，坚持直觉整体的信息加工和理性领悟相结合，使左右脑不同的工作方式和艺术作品中不同的结构要素相互作用，将有助于促进以右脑功能为主的全脑功能的开发。
3 ．有助于一般智慧和创造力的发展。艺术活动中所发展起来的直觉能力和空间想象能力对逻辑思维起互补作用。
4
．有助于发展儿童的艺术兴趣和艺术天赋，使童年获得更多的欢乐。同时，儿童知觉过程的整体性、直觉性、记忆的具体形象性、思维想象的独特性、情感的易感染性和弥散性等心理特点都使得他们特别喜欢艺术活动。
但是，艺术智慧的发展不同于一般智慧的发展，它并不一定随年龄的增长而发展。缺乏恰当的教育，早期的艺术潜能会随着儿童逻辑思维的发展、认识世界方式和学习任务的改变而削弱和消失，因此，成人在儿童
2 ～ 12 岁之间这一艺术潜能发展的黄金时期向儿童进行良好的艺术教育，是顺应儿童身心发展规律的，可以使脑的潜能不失时机地得到发展。
二、学前儿童审美心理的发展特点及其培育方法
本研究综合了在美术心理、音乐心理和文学心理等方面的已有研究成果，并结合自己的实践，发现 1
岁以内的婴儿就能对外界事物的某些审美特征产生知觉选择，如鲜艳的色彩、动听的旋律、有节奏的儿歌都会引起婴儿的定向，这是审美心理发展的基础，也是进行审美艺术教育的基础。
儿童审美心理与非审美心理一样都包括知、情、意三个系统，它是审美及艺术欣赏和创造的心理基础。有关审美和艺术心理的研究成果表明，审美主体的知、情、意系统与审美艺术客体的相互作用中，起关键作用的心理功能有审美感知、审美情感、审美理解、审美想象和审美意志（创造行为），它们贯穿于审美欣赏和审美创造的全过程。
然而，审美心理活动和非审美心理活动在目的、方式、结果等方面都是既有相似又有区别的，反应了两种不同的反映世界的方式。在科学工作中，感知、想象、理解、发现、思考客体的目的是为了弄清客观事物本来的面貌及其发展规律，为解释、利用、改造、创新提供依据，应该是求实、求真的。违背客观规律办事，就会遭到报应。
审美活动中对客观的反映是情感的、想象的、变形的，甚至是虚幻的。以月亮这一实体为例，科学家告诉我们它是围绕地球转的不发光的星体，月亮光是太阳照在月球表面的反射光，夜晚月朗星稀是因为无云等。而审美时，则把月亮当作审美对象，当作寄托感情和想象的对象，所以就会有
“ 举头望明月，低头思故乡 ” ， “ 月是故乡明 ” 的思乡之情融入客体之中，就会有 “ 嫦娥奔月 ”
虚幻想象。这都是审美主体的感受、想象、移情所至。因此，审美过程是主体对客体的形象、色彩、音响、韵律、节奏、流动感、和谐、秩序等情感表现性感知，感受到生命的运动，产生激情和想象，情绪情感能在映象中得到体现。如果我们把审美的结果当作科学的认识，必然会陷入荒唐。
我们参考有关资料和研究经验，归纳出以下培育方法，成为指导我们实践的依据。
1
．积累非审美的认识经验、实用经验、社会交往经验和情绪经验，丰富现实性表象，为感知的定向（在对象中有熟悉的成分更能引起注意）、为理解和想象的进行、为情感的产生提供丰富的源泉。
2 ．师生共同创设审美艺术化的环境。可以选择贴近生活的题材进行艺术创作，用创作成品布置环境，也可以把生活常规提升为艺术的表达方式。
3
．系统地开展以艺术品为媒介、以审美欣赏为核心的实现多元价值的艺术欣赏和艺术创造活动，将自外向内的艺术再加工和自内向外的艺术创作实践有机结合，改变过去重内容轻形式、重模仿轻创造、重制作轻欣赏的倾向，使审美心理的各个方面从对立走向统一互补。为此，我们在组织艺术欣赏时，有两点区别于现在的艺术教育：（
1 ）把渗透在其他事物中或艺术中的形式审美特征 ——
对称、均衡、重复变化、对立统一等加以突出，使其与儿童的意识层面相互作用，从而提高儿童对形式审美特征的直觉敏感性和迁移应用的有意性。（ 2
）把蕴含在艺术形象中的社会情感模式加以突出，使主客体的情感交流从潜意识层面发展到意识层面，将作品的情感基调或人物的内部情感作为儿童识别、观赏、匹配、表现和重新建构的对象，并在观赏、表现、重建中，使儿童的主体情感获得更丰富的体验。
4
．教师的人格特征和美学修养。在审美艺术教育中，首先，教师必须是一个人格完满或追求人格完满的人，在知、情、意心理系统和真、善、美的外部行为方面比较和谐或不断追求和谐完善的人，是一个善于发现美、创造美或努力使自己成长具有丰富
“ 美感的人 ”
。其次，教师在音乐、美术、文学方面都具有一定的素养。她不必具有多方面的表现技能，但她应该具有一定的艺术鉴赏知识，有广泛的艺术欣赏的兴趣、欣赏能力、选择能力和感情表现能力，有及时将美介绍给儿童的热情。再次，教师必须热爱儿童，了解儿童，乐观开朗，勤奋工作；能够乐此不疲地引导幼儿共同创造美好的生活，在近似于玩耍的艺术活动中引导儿童健康、和谐、活泼、愉快地发展。
5 ．以艺术审美为中心，把美感的培养辐射到各种活动中去，使审美经验与非审美经验得到互渗、互补、互相转移，在 “ 虚 ” 和 “ 实 ”
的循环反复中促进幼儿审美心理和一般心理的同步协调发展。
三、学前儿童艺术教育课程的总体构思
如何实现审美艺术教育的多元价值、促进审美心理的发展？关键在于培养人们一种整体的反应能力。我们试图利用幼儿浪漫幻想和泛化的特点作一些实验尝试，在有意识、潜意识和无意识之间架起桥梁，在沟通三种艺术形式，培养综合性艺术智慧方面作零的突破。
1 ．理论假设。
（ 1
）必须从伦理的、智慧的、审美的三个方面入手培养，才能塑造一个全面发展的完美的个体。艺术教育的任务，就必须从人的整体发展出发，从素质教育入手，从研究儿童的审美心理结构的构建入手（而不是从艺术的技术培养入手），使人的整体人格与自然、社会协调一致，与当代物质文明相对应、同步发展。
（ 2 ）综合性艺术智慧是存在的，美术、音乐、文学三种艺术形式存在着某些共同的审美要素，它们之间可以通过审美直觉、情感同构而相互迁移、渗透和沟通。
（ 3
）儿童艺术心理的发展是在不间断的教学过程中逐渐完成的。用艺术综合教育的形式，加强艺术情感教学的力度，就有可能促进综合性智慧的发展和审美心理结构的建构。
2 ．艺术综合教育课程的编制。
艺术综合教育课程与传统的注入式学科教学课程不同，它是以开发与培育主体内在的、内发的价值为目标，以人为中心的课程，同时还吸收了以学问为中心的课程中的某些精髓。从教育目标的角度来看，艺术综合教育是要利用最富人性的学科，充分发掘儿童的感性潜能达到个性自我实现和全面发展；从教学方法的角度来说，主张在自由气氛中，在师生的相互信赖和尊重的条件下，摒弃教师的强制性教学，以儿童为主体，把儿童的兴趣、需要、经验摆在重要地位；从教材的组织结构来说，强调学科的综合性和课程的整体性。艺术综合教育课程的目标体系见下表。
四、艺术综合教育课程的实施
1 ．分析提取同构的要素。（ 1
）不同艺术品之间内容情感表现的相似性，使主体产生情感的态度和体验的相似性。无论是音乐、美术还是文学，只要作品的情感基调相同，主体在欣赏时都会产生相类似的情绪体验。音乐、美术和文学三种艺术形式都可以通过各自不同的情感符号表现人物的相同类别的情感或情绪。在绘画中，用线条或色彩以及不同造型表现。文学中主要是通过人物和事件的细节描述得到体现的。音乐的形象和情感都是不确定的，在强烈的情感体验中常常会勾起与自己相类似的情感记忆的浮现，而产生可视性形象。（
2 ）艺术构成要素唤起主体的情意象征的沟通性。主要包括： ①
色彩的情意象征性。如绿色象征大自然的勃勃生机，象征和平，给人安全、温馨、宁静、纯真的感受；黑色象征死亡、危险，使人产生恐惧、压抑等体验。但是，色彩与心灵之间的同构关系不是一一对应固定不变的，色彩的象征及其偏好，受民族、个性、个人习惯和具体心境的影响。
②
线和形的情意表现与内心体验的沟通性。如竖直线表现挺拔、坚毅、呆板、凝固，用水平线表现平静、沉稳，用精直线表现沉重、有力，用细直线表现轻快、灵活，用曲线表现柔和、流动、委婉、轻盈、优雅、机敏、狡黠，用放射线表现开朗、伸展、高兴、生长的活动，用正方形表现稳定、刚直、呆板，用按黄金分割的长文形表现适当、舒服。
③
节奏。节奏的不同组合及其变化，既表现作品情绪的起伏，也能引起欣赏者的情绪变化，如缓慢的节奏可引起舒缓、平和、疲劳、沮丧的感觉，快速的节奏使人兴奋、活跃、紧张、焦急。
④
声音和旋律。声音有高低、强弱、长短、顿挫、连绵、纯杂之分。对不同声音的处理，能表现不同的情感。旋律与节奏是构成听觉艺术的重要元素，与主体心理结构中的不同情感模式直接对应。如听到进行曲使人振奋激昂，听到轻音乐舒畅柔和，欢快跳跃的音乐令人喜悦，低沉缓慢的音乐使人伤感、凄凉等。而这些情感都会与欣赏者的经验相联系，在脑中产生视觉表象，因此，旋律与节奏一样，构成对音乐形象的象征性。
⑤
力度与方向。任何一种元素在整合成艺术品时都表现了力的强弱运动变化及其走向，是上升的力还是下降（沉）的力，是递增的力还是递减的力，是对抗的力还是调和的力，是聚积的力还是扩散的力，是张扬的力还是萎缩的力。力的运动模式决定方向的变化，例如张扬的力，其方向必然是上行的、步步加强的或向外放射的。不同的力的模式及其走向都与特定的情感结构达到同构。（
3 ）形式美法则在艺术品中具有普遍适用性。我们选取了幼儿能感受和适应的若干法则加以引用： ① 对称与均衡； ② 重复与变化； ③ 整齐一律和多样统一。
2
．制订分层次的同构活动的目标。我们试图把本课程中的同构能力从最低水平到最高水平，分成三个等级。低一层次的能力是高一层次能力发展的基础，高一层次的能力发展又整合着低一层次的能力。值得指出的是，这三个层次的目标，不是小、中、大班的对应性目标。儿童艺术能力反映在不同班级中差异很大，起点较低的班级可以完成低中级的目标，起点较高的班级可以完成中高级的目标。艺术能力的个别差异也很大，同一个班级中，不同儿童可能要分别完成不同的目标。但是能力发展与年龄阶段存在着密切关系，要小班儿童完成高层次目标为每个孩子营造宽松的氛围，让他们按照自己的速度得到最好的发展。
3 ．确定同构活动的内容。（ 1 ）同形同构。坚持以直觉体验为基础的艺术作品之间的形式共同构成 “ 同形同构 ”
，包括色彩、线条、构图、音韵、旋律、节奏等要素，夸张、拟人、象征等手法构成的整体画面。这些结构虽然普遍存在于各种艺术形象之中，但其表现的鲜明程度是不同的。如文学的形式特征比较隐蔽，人们欣赏时容易被主题和情节所吸引，把形式
“ 挤压 ”
进无意识中。与此相反，在美术作品的视觉审美特征和音乐中的听觉审美特征却表现得十分鲜明。根据这一特点，形式同构应以显性形式带动隐性形式进行感知、体验、识别、创造，如
“ 对称 ” 这一结构特征，绘画中最直观，宜在绘画欣赏和绘画操作中进行内化，再去同化音乐、文学中的对称现象。（ 2 ）异质同构。 “ 同形同构 ”
是客体审美形式结构的相似性的感受与识别， “ 异形同构 ”
是指各种形式结构能够引起主体的不同的情感体验之间的对应性、沟通性。情感是通过形式表达的，任何形式都蕴含着特定情感才成为艺术的，所以 “ 异质同构 ” 与 “
同形同构 ” 是不可分的。为了说明问题，我们才尝试性地剖析它们的内部结构层次。在具体操作中，这两方面的同构往往交织在一起进行。
4 ．建构同构活动的过程。（ 1
）根据同构目标选择教材。选择教材是进行同构活动的重要方面。一般来说，不同的教材在实现同构目标方面各有侧重。形式同构一般都以美术、音乐为核心教材，而内容情感同构一般以文学、美术为核心教材。（
2
）梳理核心教材中的同构要素。以文为例，如《树妈妈和树叶娃娃》有两大同构要素：一是情感的对称性发展，以树叶妈妈为情感主线，构成了从欢乐幸福到伤心孤独再回到欢乐幸福的完整情感变化过程。二是这一情感的变化正好构成了整体结构上的三个段落，又可以进行
ABA 结构的匹配。在音乐、美术这些作品里，也有同构要素。（ 3
）根据同构目标选择不同切入口。可以从音乐欣赏切入，感受、理解和表现作品的旋律和节奏，继而发现文学和美术中的类似特征；也可以从美术欣赏切入，感受对称、均衡、重复变化、多样统一等整体画面结构，继而发现在文学和音乐中的类似特征；还可以从文学欣赏切入，感受作品中形象丰富的情感类型，再带着文学的情感经验和丰富的想象，欣赏美术和音乐，从而对美术、音乐中的社会情感产生联想、想象、感受、体验、移情和创造出新的形象。
确定同构目标和切入口之后，就要考虑怎样呈现作品的同构点，使其凹现出来。
同构活动的过程大致都有二个层次：（ 1
）感受层次。感受和体验同构点特征全貌，可以通过许多方法，如讲述、音乐、绘画和动作参与等凸现作品的审美的特征，引起儿童的感受。（ 2 ）选择、匹配、理解层次。在
1 ～ 2 种作品中取得经验后，用已知的观念或形象去匹配求知的相似性形象，使已知与未知相互作用。
5
．同构活动的经验准备和时机。同构活动中，对三种艺术形式共同审美要素的感受和沟通，必须在已知和未知材料中进行，必须让儿童以某一领域的审美经验去同化和顺应其他领域的审美信息，因此为儿童准备分领域的审美经验是很重要的。
教师适宜地掌握同构时机也十分必要。在艺术综合教育的课程体系中，分领域课程具有相对的独立性，同构课程是穿插在不同的连接点上进行的，不是什么活动都必须进行同构，也不是什么同构都必须把三个领域硬拉在一起。实际上，在同构活动之前，还有许多分领域的活动和低一层次的同构活动。教师必须从目标、材料和儿童的基础几个方面考虑确定时机，其宗旨在使各领域的审美要素在综合中有助于儿童的审美加工，而不是互相干扰。
五、小结
本课程的设计和实施，符合儿童身心发展的需要。在实施中，实验班的儿童表现出了对各领域共同审美要素的敏感性、情感的丰富性、艺术活动的空前的活跃和主动创造精神，充分展现了自己的个性。实验班儿童的多幅艺术作品获全国性的奖励，他们在其他领域的学习中也表现出色，并能将审美法则及情感融于生活，使班级氛围温馨、有序。可以说，本研究基本验证了理论假设。
我们虽然探讨了一些问题，但是还有更多问题值得探讨。我们将继续努力，使该模式逐步完善而服务于中国的未来。
艺术的本质和特征
艺术的本质：
通过捕捉与挖掘、感受与分析、整合与运用（形体的组合过程、生物的生命过程、故事的发展过程）等方式对客观或主观对象进行感知、意识、思维、操作、表达等活动的过程，或是通过感受（看、听、嗅、触碰）得到的形式展示出来的阶段性结果。
艺术的特征；
1、形象把握与理性把握的统一：形象，即审美形象。在广义上包含审美的情境和意境，主要是指艺术活动中能引起人的思想或情感活动的生动、具体、可感的人物和事物形象。
2、情感体验与逻辑认知的统一。艺术中的情感即审美的情感，是一种无功利的具有人类普遍性的情感。情感在艺术活动动机的生成，创造与接受过程中均是重要的因素之一。同时，情感又是艺术创作的基本的元素。
通过捕捉与挖掘、感受与分析、整合与运用（形体的组合过程、生物的生命过程、故事的发展过程）等方式对客观或主观对象进行感知、意识、思维、操作、表达等活动的过程，或是通过感受（看、听、嗅、触碰）得到的形式展示出来的阶段性结果。
扩展资料：
艺术中的情感即审美的情感，是一种无功利的具有人类普遍性的情感。情感在艺术活动动机的生成，创造与接受过程中均是重要的因素之一。
同时，情感又是艺术创作的基本的元素。艺术活动总是伴随着情感，这是欲望、兴趣、个性的具体的心理表现，也是对对象能否满足自身欲望的价值评判。
艺术体现和物化着人的一定审美观念、审美趣味与审美理想。无论艺术的审美创造抑或审美接受，都需要通过主体一定的感官去感受和传达并引发相应的审美经验。
对艺术的审美分类，主要应根据主体的审美感受、知觉方式来进行。依据这个原则，艺术可以分为造型艺术、表演艺术、综合艺术和语言艺术四大类。
马克思和恩格斯没有提出一般的美学理论，他们也没有对艺术和文学进行过任何系统的研究。马克思对这个问题顺便说的话与其说提供了一个可确信的解释原则，不如说更多地引起了争论。
参考资料来源：搜狗百科——艺术
艺术设计毕业论文题目怎么写
题目：
1.对现代艺术设计的再思考
2.传统绘画艺术与现代艺术设计
3.浅析CI设计中的企业文化冲击力
4.包装设计中人文思想的再思考
5.标志设计与图形艺术的结合
6.平面图形设计中的符号原理
7.浅析品牌包装设计
8.现代包装设计的文化观
9.中国古代图徽与现代标志设计
10.现代标志设计与原始符号情结
11.造型设计与空间的利用
12.浅谈住宅发展趋向
